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250 年前的美国艺术是什么样子？艺术史教授苏珊·拉瑟问答
美术学院教授讲述了自我们国家诞生以来艺术家和艺术的演变。250 年前的美国艺术是什么样子？与艺术史教授 Susanrath 的问答首先出现在 UT Austin News - 德克萨斯大学奥斯汀分校。
来源:德克萨斯大学十年前，苏珊·拉瑟 (Susanrath) 出版了她的书《美国学派：殖民晚期和民族早期的艺术家和地位》，探讨了 18 世纪和 19 世纪初的美国艺术家和公众对艺术家的看法，包括艺术创作从贸易地位到“美术”的演变。
在本周末庆祝美国建国 250 周年之际，请听拉瑟讲述 1776 年作为一名艺术家意味着什么，以及美国艺术和艺术家开始展现自己身份的方式。继续阅读以了解更多信息。
革命时期的艺术界是什么样子？作为一名艺术家意味着什么？
相反：它看起来不像我们今天能认出的任何东西。 “美术”一词在历史上意味着某些类型的实践——绘画、雕塑、建筑，以及后来的版画——从 16 世纪后期开始，最早的艺术学院将其定义为绅士风度和知识追求。这种情况在英国及其北美殖民地发生的时间要晚得多，那里一种古老的、文艺复兴前的艺术家观念一直持续到 18 世纪。按照这种观点，所有用手工作的人都被归为工匠或商人（“工匠”这个词是后来才使用的，有点过于浪漫化而没有什么用处），这与法律和牧师等具有强烈智力成分的职业形成鲜明对比。
这种情况在 1750 年左右开始发生变化，即革命前四分之一个世纪，但变化缓慢。 1765 年左右，一位非常著名且广受欢迎的艺术家在一封信中抱怨说，他的波士顿同胞将他与木匠、裁缝和鞋匠归为一类。引人注目的是，我们在报纸上的商业广告中发现了不少画家寻找工作的通知。想象一下毕加索或波洛克这样做！所以资本艺术家的整个想法并不真正适用。
艺术什么时候开始看起来“美国”，这意味着什么？是什么影响了艺术家的风格？